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frc1983
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El hombre de la mandolina (1985)
An LGBT classic
The film is a brilliant work of Mexican LGBT cinema, showing us a student environment, a tyrannical mother who dominates her family and a homophobic society, where being homosexual was to be ostracized and condemned to death.
Jardiel is a young homosexual who lives with his possessive mother Doña Fina, his sickly father Umberto; his two sisters named Rocio and Lulu; and his brother named Andres.
Jardiel is secretly in love with Carlos, his partner in the Estudiantina of the University of Queretaro. One day Jardiel decides that the time has come to propose to Carlos. After being rejected by his friend, Jardiel begins a depressive drift, which is compounded by his mother's rejection and repudiation. The family begins to fall apart and the father Umberto dies, feeling deeply hurt by Doña Fina's harassment of his son, ridiculing him for being homosexual.
Complementing Jardiel's story are the plots of the three siblings: brother Andrés, who seeks Viola's love; sister Roció, who has a son named Francisco by her boyfriend Héctor, who eventually abandons her; and sister Lulu, who decides to leave home and escape from her tyrannical mother.
Of all Jardiel's siblings, it is Lulu who supports him in his homosexual condition. But, paradoxically, Lulu must flee to save herself.
This is a highly recommended film as a journey through the history of classic LGBT filmmaking.
Hearing Voices (1991)
An unknown gay movie
The film is daring, for a 1991 film. It is a rather unknown film, but director Sharon Greytak has an extensive filmography.
Maybe it's a subject that many gay people don't like. A gay man flirting with a woman is not an issue that represents the LGBT cause. However, the gay man is correct, with many doubts about his relationship with the woman.
Home Alone (1990)
Siempre nos quedará Kevin en nuestros corazones
"Solo en" casa es la película más vista en 1990 y la novena con mayor rentabilidad de la historia del cine según un artículo de la Revista Cinemanía del 24 de marzo de 2011.
Desde un punto de vista fílmico, la película se soporta gracias a cuatro elementos:
-1) John Hughes, su guionista, autor de magistrales obras como "Dieciséis velas" (1984), "El club de los cinco" (1985) o "Solos con nuestro tío" (1989).
-2) Chris Columbus, su director, que también lo es de las excelentes "Yo, tú y mamá" (1991), "Señora Doubtfire" (1993) y las películas de Harry Potter.
-3) Maucaly Culkin, su actor principal, por entonces un niño con sólo diez años, que fue capaz de enamorar al público como nadie.
-4) Su relato cargado de mensajes positivos. Por un lado, es la historia de la superación de los miedos por parte de la infancia y la idea de armarse de valor ante los peligros que nos rodean. Por otro lado, es un canto a la familia, la cual pese a no estar presente de facto, lo está en el corazón de Kevin y su enigmático vecino, que también se encuentra distanciado de ella. Por último, el film es una loa a la magia y belleza de la infancia.
De todos estos elementos, me quedo sin duda con la impronta que dio a la película Macaulay Culkin, un tipo del que se enamoraron todos los niños y niñas del momento. De todos es sabido que la Fox se gastó una fortuna en promocionar esta película como el espectáculo navideño del año. Pero ¿cuántas películas tienen detrás un aparato de marketing bestial y no logran grandes resultados?
El título que se le dio en Brasil a esta película "Se olvidaron de mí", parece una premonición de lo que le sucedería a Culkin, el niño estrella del cine de los noventa, cuyo resurgir en la actualidad tras un paréntesis de casi diez años de inactividad, ya no fue posible. Es una lástima. Al menos, siempre nos quedará Kevin en nuestros corazones.
The Searchers (1956)
Un canto a la supuesta supremacía del hombre blanco
"The searchers" es un título clarividente, que no engaña. Y es que la película no es otra cosa que la historia de una búsqueda, una búsqueda muy peculiar, la de una niña raptada por los indios, que se prolongará a lo largo de más de una década.
La película es un western en estado puro, de esos donde no faltan los vaqueros y los indios, la caballería y los poblados aborígenes, las montañas escarpadas, los paisajes abruptos, los terrenos desérticos, el polvo y algún que otro río rojo.
Y es que los protagonistas del film, Ethan (un John Wayne muy seguro de sí) junto a un joven Martin (Jeffrey Hunter), no harán otra cosa durante la gran parte del film que recorrer las tierras más recónditas en la búsqueda de esa joven, sobrina de Ethan, cuya familia fue asesinada por los indios.
La película puede definirse como un canto a la supuesta supremacía del hombre blanco, tanto moral en el sentido de unos supuestos valores superiores, como física en el sentido de mayor capacidad de asesinar gracias a las armas de fuego.
Moralmente, los indios se nos presentan como los malvados, que se dedican a matar y raptar a las personas blancas, que viven alegremente en sus tierras (quiero decir, en la tierras que les quitaron a los indios). El hombre blanco, al contrario, se nos presenta ligado a la idea de civilización, con unos valores incorruptibles.
Este planteamiento moral se puede desmontar fácilmente si comprendemos que los verdaderos exterminadores del Oeste fueron los descendientes de los europeos, que además tenían un fuerte prejuicio racial hacia los indios, como se ve en el personaje de John Wayne.
Dejando de lado el asunto anterior, que no es baladí, no es justo olvidar que esta película es una de las diez más bellas, en un plano estético, de la historia del cine. Además contiene una reflexión importante sobre el poder de la cultura a la hora de socializar a los miembros de una comunidad, algo que se aprecia en el personaje de la joven secuestrada, la cual acaba por desarrollar un apego hacia los indios, sus secuestradores.
The Odd Couple (1968)
La divertida antítesis de la pareja
La cuarta película más vista de 1968 sigue siendo, a día de hoy, una comedia genuina con un excelente guión y un reparto de vértigo.
"La extraña pareja" es un acertadísimo título para una película que se plantea qué sucede cuando dos amigos ya maduritos deciden vivir juntos por un tiempo, llegando a formar una suerte de matrimonio distópico.
Y es que esto de tener un amigo o amiga no significa que a la vez tenga que ser tu pareja, en el sentido de compañero o compañera con el que te levantas las mañanas y te acuestas las noches, ya sea con o sin arrumacos al canto. Así pues, esta pareja resulta extraña por varias razones:
1) En primer lugar, ambos están divorciados y necesitan darse consuelo, sobre todo Felix, al que acaba de dejar su mujer.
2) En segundo lugar, Felix todavía añora a su esposa y no puede quitarse de la mente la idea del matrimonio. Y es que su relación con Oscar parece querer llevarla a un terreno de pareja (no sexual), más que de amistad. Aquel se preocupa de que Oscar no llegue tarde, de que la casa esté siempre limpia, de que se cocine de tal o cual manera, de que haya un cumplimiento de los horarios, etc. Sin duda, el film nos recuerda a las disputas matrimoniales clásicas entre un hombre y una mujer, aunque ahora son dos hombres los protagonistas.
3) En tercer lugar, las personalidades de ambos resultan de lo más diferente. Si Oscar es un tipo sencillo, tranquilo y despreocupado, Felix representa su antítesis, caracterizándose por su histrionismo, neurosis, perfeccionismo y preocupación.
En definitiva, la película es todo un juego de oposiciones (amistad/enemistad, matrimonio/divorcio, preocupación/despreocupación, limpieza/desorden) que nos muestra la complejidad de las personas, pero con un fondo alegre y lleno de ternura.
To Sir, with Love (1967)
La rebelión contra la injusticia social y la lucha por la emancipación
Estamos ante una película que fue un bombazo de taquilla, recaudando 42 millones de dólares con una inversión menor a la unidad, siendo la séptima producción más vista en USA en 1967.
La película nos narra la llegada de un profesor a un colegio muy conflictivo, donde los alumnos no quieren estudiar, provienen de entornos familiares desestructurados, están desencantados de la vida y del mundo y sólo piensan en divertirse. ¡Y resulta que la película es de los años sesenta
cuando actualmente las cosas siguen igual o peor!
El film cuenta con un magnífico Sidney Poitier, en uno de sus mejores registros en la gran pantalla, curiosamente en el mismo año del estreno de otro de sus mejores trabajos: "En el calor de la noche (1967)".
La película se estructura sobre la idea de que el cambio de actitud y la asunción de un compromiso crítico por parte de los alumnos y alumnas es un paso indispensable para poder asumir el reto al que se deberán enfrentar como futuros trabajadores en un mundo muy competitivo, donde nadie te regala nada.
En el fondo, la película puede considerarse, desde un terreno moral, como un precedente de "El club de los poetas muertos" (1989). Las diferencias entre ambas son que "Rebelión en las aulas" se desarrolla en el contexto de una comunidad pobre de los suburbios, mientras que el film de Peter Weir tiene lugar en un colegio elitista y de pago.
No obstante, tanto el profesor John Keating de "El club de los poetas muertos" como Mark Thackeray de "Rebelión en las aulas" apelan a técnicas innovadoras para despertar la conciencia crítica de sus alumnos y hacerles rebelarse contra las injusticias sociales, tomando conciencia de su papel protagonista en la sociedad.
En el caso de los alumnos del colegio rico, su adormilamiento tiene mucho que ver con las rígidas pautas de conducta que los maestros les enseñan, evitando que piensen por sí mismos. En el caso de los alumnos del colegio pobre, éstos padecen más de una apatía, producto de las vivencias de un contexto de clase baja, en el que se sienten marginados en la futura sociedad.
Aunque "El club de los poetas muertos" es una de mis películas favoritas, considero que tiene más mérito "Rebelión en las aulas", ya que nos habla de jóvenes que no tienen el soporte económico de los papás y mamás, y que sino re-enfocan sus vidas lo único que les espera es la miseria. Por eso, me parece muy importante, compleja y encomiable la labor de Sidney Poitier.
After Hours (1985)
Cine de autor con el sello Scorsese
"¡Jo, qué noche!" se trata de una comedia de suspense que aborda las aventuras de un joven que desea tener una noche apasionada con una mujer que acaba de conocer. Este sugerente comienzo será una excusa para introducirnos en un submundo insólito, a la vez que atrayente.
La película tiene una estética similar a "Twin Peaks" de David Lynch donde se suceden acontecimientos extraños, apariciones de personajes poco corrientes, diálogos surrealistas
todo ello rodeado de una atmósfera inquietante y lúgubre.
Scorsese consigue hacernos un retrato desconocido de algunos barrios de Nueva York, que nos sugieren un lugar casi apocalíptico. Así mismo, el joven protagonista parece estar condenado a la "Ley de Murphy", que nos dice que todo lo que nos pueda salir mal, nos saldrá mal.
Quizás, la moraleja de la película tenga que ver con que la noche siempre tiene un riesgo y más aún cuando uno se relaciona con desconocidos.
No obstante, a pesar de los riesgos de la noche, el personaje parece llamado a introducirse en ese universo onírico por la llamada del deseo sexual que, en ocasiones, es más poderoso que cualesquiera tinieblas y sombras que puedan acecharte.
En definitiva, estamos ante una buena película sobre la perdición y el descenso a los infiernos de un joven que sólo busca echar "una canita al aire". Para otra vez, se lo pensará mejor.
Mystic River (2003)
El "ojo por ojo" sacralizado
Estamos ante una película con aspectos interesantes, pero trasfondo deleznable.
A) Vayamos primero con lo positivo:
A.1) se centra en cómo los sucesos de nuestra infancia nos condicionan en las decisiones que tomamos en el futuro. Somos presos de nuestro pasado. Por ello, nadie debiera querer olvidar las cosas que le han ido sucediendo a lo largo del tiempo. Los errores, fracasos y traumas del pasado son una oportunidad para darse cuenta de las cosas en las que uno no debe volver a caer.
A.2) además, el film es un documento de los bajos fondos y de las problemáticas interiores que soportan el "american way of life". Así, tenemos la oportunidad de hacer un viaje a una barriada de Massachusetts y encontrarnos con el lado más recóndito de sus pobladores, el que tiene que ver con los traumas y las represiones. En la apariencia de estabilidad de nuestras vidas, se esconden problemáticas que arrastramos. La aparente buena convivencia de las personas de un lugar esconde, con frecuencia, zonas oscuras de conflicto que la sociedad ha ido silenciando.
B) Vayamos ahora a lo negativo:
Sin embargo, el trasfondo moral del film es deleznable, ya que se da vía libre al "ojo por ojo", como un recurso válido por la sociedad. Así, si alguien piensa que el asesino de un familiar es X persona, no hace falta que acudas a la policía. Simplemente, debes hacer acopio de unas cuentas armas de fuego y disponerte liquidar a tus oponentes. Ojo por ojo, diente por diente.
El problema de que cada cual se tome la justicia por su mano es que, si ya tenemos suficientes problemas con el criterio equivocado que en ocasiones toman los jueces, el colmo es que cualquiera se convierta en juez y aplique su propia ley: ley del más fuerte (o el más loco). Y si resulta que a quien mataste era inocente, no hay por qué preocuparse, lo declaras culpable y a lavarse la conciencia.
Alguien podría decir que, después de todo, Harry el sucio (quería decir Clint Eastwood) sólo nos estaba constando una historia. De acuerdo. Entonces, ¿por qué en su filmografía se recurre con frecuencia al "ojo por ojo"? Así lo vemos en "El fuera de la ley" (1976), "Sin perdón" (1992), "Gran Torino" (2008)
, sin olvidarme del hecho de que la gran mayoría de sus películas como actor o director se recurra a las pistolas y las muertes. ¡Qué obsesión con las armas, amigo Harry!
Planes, Trains & Automobiles (1987)
Y dios dijo: amaos los unos a los otros como yo os he amado
"Mejor solo que mal acompañado" es una de mis películas favoritas, además de una gran comedia de enredos, protagonizada por dos estrellas de la pantalla como el fallecido John Candy ("Solos con nuestro tío", 1989) y "Steve Martin ("El padre la novia", 1991) y dirigirá por el gran John Hughes ("El club de los cinco", 1985).
La película aborda cómo dos hombres que pretenden llegar a Chicago para celebrar la Navidad con su familia, se verán envueltos en muchos infortunios que acabarán por unirles en el destino. El film se centra en la dificultad para convivir de las personas, más aún cuando ellas tienen personalidades opuestas. Así, vemos que aunque nuestros dos protagonistas son la antítesis el uno del otro, ambos acabarán unidos en y por la adversidad.
El título de la película en inglés "Planes, trains and automóviles" hace referencia a los distintos tipos de transporte que los protagonistas tienen que tomar para poder llegar a Chicago, debido a que siempre falla alguno de ellos. Así nuestros amigos tomarán desde un avión hasta una camioneta, pasando por un taxi, un tren, un autobús o un coche de alquiler. Sólo les faltó un trineo, ya que la película se desarrolla en Navidad.
La película es idónea para ver en fechas navideñas, ya que recupera la importancia de darse afecto entre las personas, no sólo entre los miembros de la propia familia. Es la idea de mantener un espíritu de solidaridad con aquellos que nos rodean, algo que también abordara Berlanga en "Plácido" (1961). Lo que demuestra el film es que las personas necesitamos el amor y amistad de los demás y más aún en tiempos que están fabricados para relajar y dulcificar el ánimo. Y es que una vez al año ser solidario no hace daño, aunque esto debería practicarse más a menudo.
My Girl (1991)
Un brindis a las amistades de la infancia
"Mi chica" es una de esas comedias sencillas y elegantes, en el terreno de lo cotidiano, que nos cuenta una historia de amistad y descubrimiento, sin apelar a las extravagancias ni a los excesos típicos del cine comercial.
La película se introduce en el interior de la amistad que mantienen un niño y una niña, a la vez que se hace cómplice a los espectadores de su proceso de maduración y descubrimiento del mundo adulto. El film hace que nos situemos en su particular universo de inocencia e idealismo, logrando abrir una ventana en el tiempo para reencontrarnos con nuestro yo más lejano. ¡Qué cantidad de interrogantes tienen los niños! Quieren saberlo todo de golpe, a la vez que desarrollan una curiosidad innata por todo lo que les rodea.
"Mi chica" puede definirse como una película de exploración del mundo, desde la mirada infantil: exploración de la naturaleza, exploración del amor, exploración del miedo a los desconocido, exploración del mundo adulto, etc.
Las interpretaciones de Anna Chlumsky y un entonces niño Macaulay Culkin consiguen que cualquier espectador caiga enamorado de sus intrigas, de esos pequeños descubrimientos que los niños creen haber hecho cuando experimentan y juegan a ser adultos. ¡Y tanto que descubren cosas!
La escena en la que Chlumsky le besa a Culkin en ese arrebato espontáneo, inducido por la imitación a sus mayores, es uno de los momentos más bellos y mágicos del cine. Así como lo digo, lo siento. Esta experimentación con el afecto por parte de estos dos amigos se me antoja un cuadro más sugerente y enternecedor que el de nuestro amigo Bogart y Sam de "Casablanca", muy a menudo considerado uno de los momentos claves de la historia del cine. "Play it again Sam".
Muy pocas son las películas que se han acercado con tanto tacto y brío al universo infantil, sin caer en retratos sórdidos o inverosímiles. "Mi chica" merece un lugar privilegiado en la temática de cine infantil, de innegable interés para las futuras generaciones.
She's Having a Baby (1988)
Un film muy sencillo y artesanal sobre el matrimonio
"La loca aventura del matrimonio" es un film más sobre el fenómeno del matrimonio, que parece casi un documental de las problemáticas que le suceden a la pareja antes y después de casarse.
Entonces, hay al menos una pregunta que cabe hacerse. ¿Cuál es la razón de hacer una película sobre escenas de la vida puramente rudimentarias sin añadir ningún matiz sobresaliente o algún punto de vista original? Quizás esa sea su mayor virtud, la de recordarnos la monotonía que te sobreviene una vez que te casas.
En todo caso, la película está rodada con gran artesanía por parte de un gran director como John Hughes, que tiene obras con un excelente ritmo narrativo como "Todo en un día" (1986) o "Solos con nuestro tio" (1989). Su labor se nota, a la hora de dotar al film de una cierta lírica y peculiar optimismo.
Es cierto que el guión del film, al centrarse en aspectos tan cotidianos de la pareja, acaba por hacerse algo tedioso, pero al menos tiene la virtud de ser muy exhaustivo en las distintas problemáticas que tienen los miembros de una pareja:
.1) las dudas antes de llegar al matrimonio, por el miedo a perder cierta independencia .2) el comienzo de una vida juntos en un piso .3) los acuerdos y desacuerdos sobre la forma de gestionar el hogar .4) la compatibilidad del trabajo con el tiempo a la pareja .5) la socialización con los vecinos .6) la asunción de responsabilidades .7) y la esperanza en tener descendencia
entre otras cosas.
Los protagonistas Kevin Bacon y Elizabeth McGovern están algo distantes, no generando demasiado "feeling", y eso que el primero tiene registros muy interesantes, como aquel que interpreta en "Homicidio en primer grado" (1995). Una vez más, el guión supeditó los elementos del film a un estilo casi documental, donde los actores no pudieron lucirse en exceso.
En definitiva, "La loca aventura del matrimonio" es una película sencilla , que tiene la virtud de no caer en los estereotipos ni en forzar las situaciones, aunque tampoco consiga emocionarte en exceso. Lo mejor que tiene es, sin duda, la impronta artesanal a afectiva que John Hughes imprime a sus obras.
Get Real (1998)
Modern Classic of homosexual awakening
"Get Real" (1998) is a simple work, told with great craftsmanship and capable to approach a complex universe of feelings that arise among gay teenagers as they accepted their sexual orientation.
This is a film for all ages, but especially recommended for gay people who want to think about their adolescence and empathize with other lives in similar circumstances.
The film has a great delicacy and sensitivity. Shore plays nicely with the silences, achieving a highly emotional space. Also the dialogs of the characters are very realistic and are well adapted to their ages.
You can see the full review in my site: www.arqueocinema.com